Картинная галерея. Выставка.

Добавлено: Вт Окт 28, 2025 11:48 am

Жасмин Хуанг родилась и живёт в Тайване. Её мягкие, неяркие акварели были оценены высокими наградами на многочисленных международных конкурсах. Работы Жасмин вошли в сборник "Рецепты прозрачной акварели 2", опубликованный Японским акварельным обществом, и в сборник "Мастера акварели: с Востока на Запад".

Акварель Хуан Сяо-Хуэй, под названием «Очарованные Венецией»

А также другие работы, в которых художница ставит свой акцент.

"Этот город — не явь, а пропитанный мистикой сон…"

И ещё один художник из Тайваня Chien Chung Wei (Чен Чунг Вей). В начале двадцать первого века Chien Chung Wei был выбран, как один из 30 художников, работы которых были включены в тайваньский сборник «Сто лет акварели».

Один его великолепный урок морского пейзажа с лодками можно посмотреть здесь в Калелье-де-Палафружель, в Жироне.

/Жирона (кат. Girona, исп. Gerona) — древний город на северо-востоке Испании (Каталония), административный центр одноимённой провинции. Известна сохранившимся средневековым центром, «Еврейским кварталом» (Call), Жиронским собором с широчайшим готическим нефом и съемками «Игры престолов»/

Акварельные портреты

Живопись мира в блогах

Добавлено: Ср Ноя 19, 2025 6:39 pm

ЭНКÁУСТИКА

Энкаустика, или восковая живопись, — это особая техника рисования, в которой используется воск. Этим же словом обозначают краски с воском в составе.

Термин энкаустика — греческого происхождения. Его название переводится как «выжигание». Сама технология тоже зародилась в Древней Греции. Такую технику описал древнеримский мыслитель Плиний Старший в энциклопедии «Естественная история» в I веке до нашей эры: уже тогда она была очень популярна. Плиний Старший писал, что ею пользовались классики древнегреческой живописи Зевксис и Паррасий, которые жили еще в V веке до нашей эры.

Краски для энкаустики состояли из пчелиного воска, пигмента, смолы и масла. Их наносили в расплавленном виде с помощью кисти или каутерия — специального бронзового шпателя, лопатки. В качестве основы для картины обычно брали подготовленное дерево. Его предварительно слегка подогревали, чтобы краски ложились лучше. В конце рисунок закрепляли — оплавляли с помощью жаровни. В итоге получалось яркое и очень прочное изображение.

Обычно в этой технике создавали произведения станковой живописи — отдельные картины. А вот стены так расписывали редко, в основном в тех местах, где изображения в других техниках разрушились бы быстрее, например в банях.

Один из самых известных примеров энкаустики — фаюмские портреты. Они были созданы в I–III веках нашей эры в Египте римскими мастерами (этот регион тогда был частью Римской империи). Подобные портреты использовали вместо погребальных масок. Из-за засушливого климата Египта они хорошо сохранились до наших дней. Фаюмские портреты созданы профессиональными художниками, их отличают яркие краски, правильные пропорции. Многие изображения украшены сусальным золотом. В России большая коллекция фаюмских портретов хранится в ГМИИ им. Пушкина. Музею их передал один из первых в мире египтологов Владимир Голенищев в 1909 году.

В технике энкаустики написаны и раннехристианские иконы, например древнейшее сохранившееся изображение Христа — Христос Пантократор из Синайского монастыря. Однако постепенно восковая живопись была забыта, ее вытеснила темпера.

В XX веке интерес к энкаустике вырос: появились новые инструменты, с помощью которых можно было работать с восковыми красками. Современные художники, рисующие в подобной технике, используют паяльники и электрические утюги.

Культура.РФ

Фаюмский портрет — икона до иконописи

Фаюмские портреты - это памятники погребального культа, созданные с 1 по 4 в.в. нашей эры в Египте. Своё название они получили по месту первого обнаружения в 1887 г. Фаюмские портреты являются самыми древними образцами станковой живописи. В этот период слились воедино культуры начала египетского, греческого и римского искусств. Синтез культур сделал возможным появление портретного искусства. Техника восковой живописи пришла из Греции, мумии были частью египетской погребальной культуры, а натурализм, присущий большинству портретов, был влиянием дремне-римского искусства. Сохранностью фаюмские портреты обязаны сухому климату Египта, в котором восковая живопись не утратила своего первоначального облика.

Выделяются три вида живописи: чистая энкаустика, восковая темпера и обычная темпера. Перед началом работ мастер разогревал не только краски, но и доски, на которые в дальнейшем наносился воск. В основном использовались сикомор, кедр, липа или лимонное дерево. Наносилась краска при мощи жёсткой кисти или металлической лопаточкой (ныне это называется художественным шпателем). В конце, чтобы всю работу сделать более гладкой, доску заново нагревали, но умеренно. Работа трудоёмкая, поскольку приходилось постоянно поддерживать температуру доски и красок, о чём сообщает Плиний.

Посмотреть древнюю технику "выжигания" - энкаустику - можно в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, в музеях Керчи.

Одна из наиболее обширных коллекций фаюмских портретов хранится в государственном музее изобразительных искусств им. Пушкина в Москве. Коллекция, насчитывающая 22 портрета, связана с именем выдающегося русского египтолога Владимира Семёновича Голенищева, который совершил более 60-ти поездок в Египет, в результате которых собрал коллекцию египетских древностей из более 6 тысяч предметов. В начале 20 века ухудшившееся материальное положение Голенищева вынудило его задуматься о судьбе коллекции, которую он хотел оставить в России. Это стало возможным благодаря поддержке Ивана Владимировича Цветаева ( основателя музея, отца русской поэтессы Марины Цветаевой), государственной Думе и кругу меценатов. В апреле 1911 года коллекция была перевезена из Петербурга в Москву. В учебниках истории по Древней Греции эти портреты являются первым ознакомлением с древней живописью.

Загадка Фаюмского Портрета
-------------

Здесь можно посмотреть сам процесс и современные картины. Нанесение отбелённого воска на полотно или доску - отдельные видео, которых много в интернете

Техника живописи для начинающих

Материалы и инструменты для энкаустики

Восковые мелки – конечно, профессиональные художники используют для работы не детские мелочки, а художественный воск, но для новичков для первых шагов в энкаустике достаточно их.

Белый мелованный картон небольшого формата, например, А5.

Утюг для энкаустики. С утюгом могут возникнуть проблемы – есть специализированные утюги для энкаустики, но если в планах нет приобретения такого оборудования, можно взять маленький дорожный утюжок. Важным условием является отсутствие дырочек для пара на подошве и наличие регулировки температуры.

Салфетки – бумажные или тканевые.

Газета или другая бумага для подложки.

Для дальнейшего совершенствования мастерства понадобится инструмент под названием каутерий. Современный каутерий немного напоминает паяльник. Однако новичкам смело можно обойтись без него. Каутерий используется для проработки мелких деталей изображения. Так же детали можно проработать нагретым мастихином.

Острые деревянные палочки, зубочистки или канцелярский нож – для процарапывания рисунка, при необходимости.

При работе в технике энкаустики нельзя ни на секунду забывать про безопасность! Инструменты горячие, поэтому невнимательность может привести к ожогам.

Энкаустика. Техника рисования

Воск наплавляется на горячую поверхность утюга, а затем наносится на бумагу или картон. Можно выделить несколько техник нанесения воска:

Разглаживание – утюг с нанесёнными красками опускается на поверхность и плавно, без нажима ведётся из стороны в сторону, как при обычной глажке белья. Таким способом можно создать фон будущей картины.

Оттиск – утюг прикладывается к поверхности и сразу убирается без проглаживания – создаётся отпечаток. Этим способом на рисунке создаются, например, горы.

Работа ребром утюга – позволяет прорисовывать тонкие линии. Так можно создавать, например, траву и ветки деревьев.

Работа кончиком утюга – помогает проработать мелкие детали. Например, нарисовать цветы или птиц.

Обратная техника – когда на утюге размещается лист картона, прогревается, а затем по прогретому листу рисуют мелками.

Техника сграффито – процарапывание изображения по уже нанесённому красочному слою.

Добавлено: Пн Дек 29, 2025 6:15 pm

Густав Роберт Хёгфельдт — яркий пример того, как смех и ирония могут стать ключевыми инструментами для создания настоящих шедевров. Его работы доказывают, что комедия может быть не только развлечением, но и мощным инструментом для передачи сложных эмоций и мыслей. Все это делает Густава Роберта Хёгфельдта по-настоящему уникальным художником своего времени.

Принцесса в башне

Вот так вот находка!

А жизнь - весёлая игра

Разжигая погасшие чувства или Жизнь удалась
(названий у этой картинки много и разных)

Некоторые работы художника находятся в Шведском национальном музее и радуют посетителей. Благодаря интернету возможность посмотреть и оценить творчество иллюстратора Густава Роберта Хёгфельдта предоставлена всем без исключения.

Добавлено: Чт Янв 08, 2026 11:02 pm

Исход (евреев из России)

Если я - только для себя, то кто я? - о художнике Марке Клионском.

А был ли.. Исход?

Добавлено: Ср Мар 04, 2026 8:16 pm

О свадебных нарядах невест, тортах и королеве Виктории

Свадебный портрет королевы Виктории, 1847

С королевы Виктории началась тенденция к "белой свадьбе" – это случилось в середине 19 века. Затем этот тренд был подхвачен Голливудом и королевскими семьями – белоснежные платья все чаще надевали, идя под венец. Сейчас же белое подвенечное платье считается супружеской классикой.

За свою жизнь королева Виктория задала два крупнейших модных тренда: одежда в глубоком черном оттенке для траура и белые свадебные платья. (Несмотря на то что черный цвет использовали на похоронах в западном мире со времен Римской империи, королева Виктория вывела его на новый уровень). До нее королевские невесты надевали свадебные платья различных оттенков, причем красный цвет был одним из самых популярных, тогда как белые платья оставлялись для представления в суде.

Раньше в Европе белый считался цветом скорби. Именно поэтому знатных дам, соблюдающих траур, часто называли белыми дамами. В таких условиях далеко не каждая модница готова была примерить белое платье на свадьбу.

Девушки выходили замуж просто в самом красивом платье, которое у них было. Монаршие особы отдавали предпочтение красным нарядам и пышно украшали их вышивкой, кружевом, драгоценными камнями и т. д.

Навсегда развеять траурную ассоциацию вокруг этого цвета удалось королеве Виктории. Будучи настоящей законодательницей мод своего времени, она решила пойти наперекор сложившимся устоям и надеть белоснежный наряд в день венчания.

Виктория была не первой, кто надел белое на свадьбу. Так, в 1499 году Анна Бретонская, тогдашняя герцогиня Бретани и королева Франции, вышла замуж второй раз в белом наряде, шокировав народ и своего жениха Людовика XII Валуа. Дело в том, что ее предыдущий супруг Карл VIII скончался всего годом ранее, и Анна все еще по нему горевала. Именно поэтому для своей второй свадьбы она выбрала траурный белый цвет.

Почти 200 лет спустя, в 1613 году, Елизавета Стюарт, англо-шотландская принцесса, также решила эпатировать публику белоснежным свадебным нарядом, расшитым серебристым кружевом и инкрустированное бриллиантами и жемчугом. В похожих платьях были и подружки невесты.

Но вернемся к Виктории. Для своей свадьбы с принцем Альбертом девушка выбрала платье кремового цвета из шелкового сатина с узкой талией, пышной юбкой и отделкой хонитонским (Honiton) кружевом. Заказывая наряд, она вряд ли догадывалась, что через несколько десятилетий такой фасон станет классикой европейской свадебной моды.

Почему же именно у Виктории получилось ввести в моду белый? Во-первых, королева была тренд-сеттером того времени. Во-вторых, вокруг свадебного платья была предпринята незапланированная пиар-кампания. Дело в том, что XIX веке было не принято избавляться от свадебного наряда сразу после церемонии, как мы делаем это сейчас, поэтому королева еще несколько раз красовалась в своем подвенечном платье на публике, но уже без фаты и в менее торжественной обстановке. Отчасти благодаря этому, отчасти благодаря влиянию самой королевы на мир моды популярность белого как свадебного цвета росла. Тем более у него было еще одно довольно утилитарное, но полезное свойство: оно выигрышно смотрелось на тогдашних черно-белых фотографиях.

Привнесенная новизна понравилась многим, а впоследствии это породило традиции, которые соблюдали не только придворные, но и обычные люди. Итак, что же нового увидел мир на свадьбе королевы Виктории?
Свадьба королевы Виктории с принцем Альбертом саксен - кобург - готским была союзом двух любящих сердец, а не браком по расчету. Именно поэтому все для этой великой свадьбы создавалось не просто так, а неся в себе глубокий смысл. Позже придворные свадебные традиции, введенные королевой Викторией широко распространились и использовались повсеместно.

Свадебная фотография Альберта и Виктории была опубликована во всем мире, и подражая королеве многие девушки в Англии, как и во всей Европе, стали отдавать предпочтение белому платью в день свадьбы. Тогда же белые платья стали символом чистоты, а позже и девственности.

Фату было принято передавать из поколения в поколение, что снова нарушила Виктория, отказавшись от бабушкиной фаты в пользу фаты из каталонского кружева, украсив ее флердоранжем, хрусталем и жемчугом.
Виктория верила во множество примет и сказок, ей нравились украшения в виде змей. Альберт подарил ей обручальное кольцо в виде змеи с изумрудными глазами - зодиакальным камнем Виктории. В моду с ее легкой руки снова вошли гороскопы. А кольцо стали называть викторианским и со временем они стали очень популярны.

В честь бракосочетания королевы подданным было подарено еще 6 дюжин колец в надписью "Victoria Regina". Эти кольца стали семейными реликвиями, носили их как обручальные.

Язык цветов был распространен в викторианскую эпоху. Букет невесты обязательно должен быть перевязан голубой ленточкой, а каждый цветок имел свое значение. Розы обозначали нежность, сирень - первую любовь, маргаритки - невинность, орхидея - вечную молодость, флердоранж - богатство и счастье, одуванчик - изобилие.

Принц Альберт - первый жених, использовавший классическую бутоньерку на свадьбе. До него вместо бутоньерки соцветие фиалок использовали.

Свадьба Виктории и детали, продуманные самой королевой задали новые тенденции свадебной моды.

Свадебный торт так же благодаря Виктории появился. В ее эпоху распространен был каравай, но королеве он показался слишком простонародным. Она поручила повару сделать утонченный каравай, украшенный цветами из крема. Торт получился более 3-х ярдов в окружности и 136 кг. Весом. В букенгемском дворце до сих пор хранится кусочек свадебного торта со свадьбы королевы Виктории, которому 167 лет.

Медовый месяц молодые провели в виндзорском замке и эти дни королева считала лучшими в своей жизни. Медовый месяц длился 2 недели.

Символизм померанца

Померанец — небольшое древесное растение из рода Цитрус. Считается, что он был выведен путём скрещивания мандарина и помело. Это небольшое деревце, в комнатных условиях не вырастающее выше 1 метра. Оно отличается наличием острых колючек на длинных тонких ветвях.

Родиной его были Восточные Гималаи, в Х веке его завезли на Ближний Восток, откуда он и распространился в Африку и Европу. Может выращиваться в домашних условиях.

Цветок померанца называется флёрдоранж, от французского fleurs d’orange – «цветок апельсина». Это чисто белый цветок с чудесным ароматом, чуть похожим на жасмин, но с более терпкими, медовыми нотками.

Издревле эти цветы считались символом любви, девичьей красоты и чистоты. Белые цветы померанца ещё со времён античности стали обязательным свадебным атрибутом.

Почему же выбор королевы пал именно на цветок померанца? Считается, что это было сделано не случайно. Эти цветы неброские, но в то же время очень красивые, а также обладают нежным ненавязчивым запахом. Он не смешивался с запахами церковных благовоний во время венчания, не отвлекал и не раздражал присутствующих. А ещё этот запах успокаивал и снимал напряжение, а это было немаловажно для невесты в такой волнительный день.

Стилизованный свадебный букет из цветов Померанца

По другой версии считается, что моду на флёрдоранж в свадебном туалете девушек ввёл Вальтер Скотт. Описывая образ невест во времена Средневековья в своём романе «Айвенго» он упоминал, что в подвенечном наряде обязательно присутствовали элементы из цветов померанца: это мог быть венок, брошь или украшения для рукавов.

Но увы, померанец цветёт лишь два раза в год, а свадьбы играются постоянно. Именно поэтому со временем настоящие цветочки стали заменять самодельными. Сначала их делали из повреждённых коконов тутовых шелкопрядов, которые бы уже не отправили на производство шёлка. А потом, с появлением различных искусственных материалов, венки из флёрдоранжа стали делать из них, имитируя настоящие цветочки и бутончики.

В начале ХХ века цветы померанца стали терять свою популярность, на их смену пришли другие цветы — розы, каллы. Флёрдоранж практически перестали использовать в украшении свадебного наряда. Но ближе к концу ХХ столетия мода на эти цветы начала возрождаться, и в 80-х годах венки из флёрдоранжа все чаще можно было видеть на советских невестах. В современные времена широко используются для оформления свадеб в винтажном стиле.

Искусственные украшения также именовались флердоранжем - это название сохранилось до сих пор, причем часто оно относится к любым свадебным уборам из мелких белых цветов.

ИЗ СУЕВЕРЬЯ

Коробка с красным померанцем —
Моя каморка.
О, не об номера ж мараться
По гроб, до морга!

Я поселился здесь вторично
Из суеверья.
Обоев цвет, как дуб, коричнев
И — пенье двери.

Из рук не выпускал защелки.
Ты вырывалась.
И чуб касался чудной челки
И губы — фиалок.

О неженка, во имя прежних
И в этот раз твой
Наряд щебечет, как подснежник
Апрелю: «Здравствуй!»

Грех думать — ты не из весталок:
Вошла со стулом,
Как с полки, жизнь мою достала
И пыль обдула.

Не трогать
«Не трогать, свежевыкрашен», —
Душа не береглась,
И память — в пятнах икр и щек,
И рук, и губ, и глаз.
Я больше всех удач и бед
За то тебя любил,
Что пожелтелый белый свет
С тобой — белей белил.
И мгла моя, мой друг, божусь,
Он станет как-нибудь
Белей, чем бред, чем абажур,
Чем белый бинт на лбу! )

Б.Пастернак

1. В.В. Пукирев (1832-1890)
Фрагмент картины 1862 года
"Неравный брак"
Государственная Третьяковская галерея

История первой российской цветочной империи, построенной немецким садоводом

Насколько имя Эйлерса, цветочного "монополиста", как сейчас бы сказали, было известно в столичной среде (Москве и Петербурге), говорит, к примеру, стихотворение Маяковского "Два не совсем обычных случая".

Добавлено: Вт Мар 10, 2026 5:29 pm

Слоны

Подборка средневековых иллюстраций с изображением слонов.
Это типичные примеры средневекового искусства, где художники часто рисовали экзотических животных по описаниям, а не с натуры.

https://zelomi.ru/blog/slon#:~:text=%D0%A2%D0%B2%D0%B5%D1%80%D0%B4%D0%BE%D1%87%D0%B5%D0%BB%D1%8B%D0%B9%20 -
«Твердочелый елефаньдин»: Слоны в древнерусской литературе и миниатюре.

Гравюра Питера Пикара «Торжественное вступление персидского посольства в Москву 3 октября 1712 года». ГМИИ им. А.С. Пушкина, собр. Д.А.Ровинского.

Слоны в искусстве: от средневековья до нашего времени

Рафаэль, работая в Риме, запечатлел Папу и его слона, который был подарен понтифику королем Португалии Мануэлем I Счастливым (из Ависской династии).

Великий мастер сюрреализма скрестил слона с пауком (иногда говорят слоны на комариных ножках). Тонкие ноги насекомого - как символ неустойчивости внешнего мира.

Наскальные рисунки с выгравированными на стенах многих пещер слонами разбросаны по всему африканскому континенту.

Слоны: древние и сюрреалистичные

Добавлено: Вс Мар 15, 2026 9:54 am

Сфумато — это мягкая дымка, в которой теряются пейзажные дали. Впервые её стали использовать художники итальянского Возрождения, чтобы передать глубину пейзажа на картине. А сам термин, происходящий от итальянского «fumo» («дым»), предложил Леонардо да Винчи. В «Трактате о живописи» он обращается к художнику, только начинающему свой путь: «Вещи на расстоянии кажутся тебе двусмысленными и сомнительными; делай и ты их с такой же расплывчатостью, иначе они в твоей картине покажутся на одинаковом расстоянии… не ограничивай вещи, отдалённые от глаза, ибо на расстоянии не только эти границы, но и части тел неощутимы… Напоследок, чтобы твои тени и света были объединены, без черты или края, как дым».

Леонардо да Винчи наносил краску слоем в несколько микрон, лессировочными мазками, одновременно соединяя неорганику с органикой (лаком) прямо на палитре. Такая техника позволяла передавать "свечение" или игру света в его переходах.

Рассказ о реставрации

В «Спаси(теле) мир» Леонардо разработал технику размытия краев композиционных элементов, чтобы предотвратить резкое столкновение цветов двух объектов на изображении, создавая эффект размытости краев, словно покрытых дымом. Затем он попытался гармонично смешать цвета. Результат техники, называемой сфумато (итальянское слово, означающее дым), придал этой картине, как и «Моне Лизе», ощущение глубины. Это была трехмерная техника живописи на двухмерном холсте, которую Леонардо впервые применил.

Леонардо также изобразил глаза Иисуса, следящие за зрителем по мере его движения, создавая впечатление, будто Иисус улыбается, поднимая правую руку для благословения. Его способность придавать двухмерным картинам трехмерный вид продемонстрировала, что объекты, находящиеся дальше, менее резкие, чем объекты, находящиеся ближе. Резкость изображения обратно пропорциональна расстоянию; то есть объекты на переднем плане кажутся резкими, а объекты на заднем плане — незавершенными. Леонардо добился этого, используя технику сфумато, размывая края объектов. Поэтому рука Иисуса, благословляющего, расположена близко, словно подчеркивая, что он благословляет именно зрителя.

Сферический хрустальный шар, который Иисус держит в правой руке, был точно изображен Леонардо. Это кристалл Изабеллы д'Эсте с крошечными пузырьками воздуха внутри, демонстрирующими его кристаллические свойства, поскольку кристаллы часто содержат включения. Однако некоторые отмечают, что одежда Иисуса не кажется искаженной при взгляде через хрустальный шар, объясняя это преломлением света. Искусствоведы считают, что Леонардо, обладая обширными знаниями в области оптики, стремился передать чудесный характер события — что все, к чему прикасался Иисус, имело идеальную форму. Поэтому, если бы кто-то критиковал Леонардо за это, он, вероятно, ответил бы улыбкой, напоминающей улыбку Моны Лизы. Эта картина демонстрирует необычайное мастерство Леонардо.

Леонардо да Винчи. Пять веков спустя. Документальный фильм.

Сфумато в картинах Рафаэля

Добавлено: Пт Апр 10, 2026 3:43 pm

Что такое язык цветов? Флориография — язык цветов

Не многие знают, что цветы и растения, их сочетания и расположение в букете несут определенное значение и выражают различные чувства. Язык цветов складывался на протяжении тысячи лет и практиковался в традициях и культуре многих народов.

Атор: Лана Миллс
Источник: https://www.shkolazhizni.ru/culture/articles/78511/
© Shkolazhizni.ru

Картина художника Джона Фредерика Льюиса, 1845 г.

Постепенно флориография стала проникать и в культуру народов Европы и Азии. Особенно она получила распространение в Викторианской Англии, известной своим патриархальным образом жизни. Это необычное увлечение языком цветов было принесено в страну английской писательницей, путешественницей, женой британского посла в Стамбуле — Мэри Монтегю. Растения, цветы, водоросли, веточки, листья стали использоваться для отправки закодированных сообщений, выражавших чувства в границах строгого этикета. Было важно все — какие цветы в букете, когда и как они были преподнесены: соцветиями вверх или вниз, левой рукой или правой, украшен ли букет листьями и есть ли на розах шипы. Викторианцы обменивались маленькими «говорящими букетиками», называемыми тусси-мусси, которые часто были не только тайными посланиями, но и модными аксессуарами к одежде.

Первая книга «Язык цветов» была написана в 1818 году парижской писательницей, известной под псевдонимом Мари Шарлотта де ля Тур, в которой она дала символические определения сотням цветов. Книга разошлась по Европе и сыграла огромную роль в распространении языка цветов. Наблюдая, что флориография становится все более популярной, многие писатели того времени стали издавать книги со своей интерпретацией значения цветов, тем самым внося путаницу, а порой и полный абсурд. Например, гортензия могла обозначать как отсутствие чувств к получателю цветка, так и чувство признательности, а желтая роза — дружбу, преданность, но и измену, предательство и ревность. Поэтому самым верным словарем считается первое издание «Языка Цветов» Мари Шарлотты де ля Тур. Чаще всего значения цветов рождались из внешнего вида или поведения растения. Например, мимоза (мimosa pudica) с необыкновенно чувствительными листьями, способными опускаться и складываться на ночь или при прикосновении, получила значение — целомудрие.

Краткий словарь Викторианского языка цветов:

Акация — тайная любовь
Альстромерия — нежный комплимент получателю
Азалия — умеренность
Гвоздика розовая — любовь женщины
Нарцисс — внимание или эгоизм
Георгин — достоинство
Анемоны — честность, искренность, радость
Дельфиниум —скромность, непритязательность
Орхидея — красота, любовь, утонченность
Ирис — надежда, доверие, вера
Фрезия — доверие
Жасмин — любезность
Тюльпан — слава, символ весны и вечной молодости
Лаванда — недоверие
Лилия — чистота
Антуриум — храбрость, неординарность, страсть
Мирт — любовь и брак
Астра — символ любви и изящества и воспоминаний
Оранжевые цветы — целомудрие
Анютины глазки — задумчивость
Гербера — тайна, улыбка, флирт, оптимизм
Турецкая гвоздика — галантность
Чертополох — неповиновение
Подсолнух — символ оптимизма
Стрелиция — победа, целеустремленность
Ромашка — символ милой простоты и нежности
Гортензия — скромность, искренность, надежда
Сирень фиолетовая — "мое сердце принадлежит тебе"

Селам
– язык цветов и тайных посланий.

Добавлено: Ср Апр 15, 2026 1:47 pm

Художники и их шедевры - работа ИИ

Как избежать ошибок при оценке старой картины и узнать стоимость своей картины.)

Айвазовский – это не только море, а Левитан – не только пейзажи: Разрушаем стереотипы о творчестве художников-классиков.
Источник: https://kulturologia.ru/blogs/060320/45668/

Следы Катастрофы Древней Цивилизации, на Гравюрах Джованни Пиранези и фреска Джулио Романо в Палаццо дель Те, Мантуя. 1534 год.

Добавлено: Ср Май 27, 2026 12:07 pm

Беседа об искусстве самовыражения

Две женщины, бегущие по пляжу" художника Пикассо

Разгадка картины Пикассо, «И-го-го».

Владимир:

Тема одной из сторон, пока незаконченного моего цикла, окончательная разгадка картины Крамского И. «Неизвестная». Связано окончание переплетением событий с другими темами, а они будут позже. Крамской И.Н. и Репин И.Е. были друзьями…

Художник И. Репин и его борьба за «правильную» живопись, мой цикл объёмных публикаций, всё есть на моих страницах литературных сайтов «проза» и «стихи». Первооткрывателя авангардизма, отобранное звание западным искусствоведением…

Илья Ефимович Репин, гениальный реалист. По характеру прямой, все вещи называл своими именами. Приколист, шутник. Как он материл «неправильное» искусство, специально послушать, за ним идиомы русского мата, толпами собирались иноземные журналисты. По воспоминаниям, «помирали со смеху», выслушав перевод…

И вот, деталь… Его мнение о профессионализме других художников, сравнения. Эпитет, «карлик», свидетельство употребления им понятия, тот или иной собрат кисти, ниже по мастерству какого-то другого им известного художника. Он для него, как «карлик».
Официальный анонс советского искусствоведения о выражении Репина, «карлик».

Голосовое Репина, некая форма ругательства, «карлик», нивелировалось официальным мнением.
Советский «самиздат», активность 70-е, прошлого века, «раскодировка» смысла «карлик» из уст Репина была другой.
Чувственность великого мастера кисти, слово «карлик», относили к персональным лицам, коих Репин с возмущением понужал такими эпитетами.

Кого? Импрессионистов. Пабло Пикассо и его учителя,
художника-импрессиониста (точнее, постимпрессиониста), «который был карликом по росту, является французский живописец Анри де Тулуз-Лотрек… Его окончательный рост составлял всего 152 см. При этом у него было нормальное туловище и голова, но непропорционально короткие ноги.

Творчество: Будучи изгоем в высшем обществе из-за своей внешности, Тулуз-Лотрек стал гениальным летописцем богемного Парижа конца XIX века. Он прославился своими афишами для кабаре «Мулен Руж», а также картинами, изображающими танцовщиц и певиц».

С пылу, с жару, чувствительный к образам живописи, Репин всуе и называл импрессионистов «карликами». Сам внешностью, среднего мужского роста, причёска «лохматый», мужская правильная антропология. Для него ругаемый им жанр нещадно и на авторов
свысока положения мастера.

Почему Пикассо? Модный импрессионист, элементы живописи проскальзывали и классические, синтез поиска. Сотворить абсолютно новое своё, жанром себя увековечить, Репин видел.
Но неудержимо критиковал, срывался, забывался, журналисты были в экстазе… Пикассо называл «карликом».
У Пикассо рост был всего 157 см.

Он всегда носил туфли на высоком каблуке. Хронисты в биографиях, разные характеристики роста, разлёт мнений, 157-163 см. Как раз разница высоты каблуков.
Живопись Пабло Пикассо и откровения, которые оставит потомкам. Были споры, диспуты, форумы, конгрессы живописцев, конференции искусствоведов. Чего только не наговорили…

А у народа простое, жизненное, веками, тысячелетиями. Людское из наблюдений своего существования, вердикт…
Комплекс малого роста,
Пикассо 157 см. своего роста, отобразил на собственных картинах.

Мужская тайная, в себе, «неполноценность» по отношению к крупным, высоким женщинам. Картины с БОЛЬШИМИ женщинами, рисовала душа, явно обиженная ими.
Сатирические мотивы сюжетов, акцент на стать: огромная грудь, толстая длинная нога, талия в «три обхвата», впечатляющий зад...

Любовницы «лёгкого поведения» под 2 м. ростом. Мужик-самец хоть раз в своей жизни и с такой должен… Будет о чём вспомнить на старости.
Пусть и со 157 см. своего роста…

Одна нога большой женщины, длиной с его рост. Великолепно для образов его картин.
Поэта Пушкина А.С. художник Пикассо знал, сравнивали хронисты рост гения литературы, с 2-х метровой ростом, Амалией Ризнич. Смеялись, её ногой, длиной со всего Пушкина. Мол, увлекался ей, (на самом деле, нет, только муза, как вдохновение), но парижские сплетни живучи столетиями.

В истории мастер экспрессии живописи Пикассо, значился, как отменный потаскун (любимое женское выражение), по бабам.
ИИ. «… было две официальные жены и множество любовниц, но его подход к женщинам часто называют жестоким. Вот главные детали этой «галереи муз»: Две официальные жены: балерина Ольга Хохлова (развод, но без раздела имущества, так как он был слишком богат) и Жаклин Рок (осталась с ним до самой его смерти).

Главные музы и судьбы: роман с Дорой Маар закончился её лечением в психиатрической клинике, а юная Мари-Терез Вальтер и Жаклин Рок спустя годы после его ухода покончили с собой. Тяжелый характер: сам Пикассо как-то цинично признавался: «Женщины — это либо богини, либо тряпки для вытирания пола».

(Аналогии. Авангардизм жанра «кубизм», западное искусствоведение внаглую украло у поэта, художника Владимира Маяковского. Исследования скандала есть на моих страницах. Первооткрывателем сделало Пикассо и деталь…
Оба творили в одно время, совпадения или нет? Русская жена Хохлова, почитательница Маяковского. Смысл фраз забавный, у Пикассо: «Женщины — это либо богини, либо тряпки для вытирания пола».
У Маяковского в письме, «… слов Лиле «Если буду совсем тряпка — вытрите мною пыль с вашей лестницы…»).

… шлейф разбитых сердец сделал его образ этаким демоническим соблазнителем в истории искусства. Можно сказать, что его «потаскунство» было неотъемлемой частью творческого метода — он постоянно искал новые эмоции и страсть, меняя женщин так же часто, как и художественные стили».

Влияние стилей, это влияние на комплексы Пикассо.
Главный - комплекс маленького роста, отношение к женщинам высокого роста.
Высокие, как правило, крупнотелые, выражение классики: «много мяса и всё моё!»

Цикл картин художника, ИИ поясняет,
«Их стихия — Земля» чаще всего относится к монументальным женским фигурам 1920-х годов Пабло Пикассо. В неоклассический период его музы, купальщицы и титанши (вдохновленные античностью) изображались настолько мощными, плотными и незыблемыми, что писательница Гертруда Стайн назвала их образ истинным воплощением земной стихии».

Картина – ЗАГАДКА, художника-импрессиониста Пабло Пикассо, с названием «Две женщины, бегущие по пляжу». В народе получила название "И-го-го».
Её называли тайной стиля. Загадкой, что нет никаких авторских аннотаций.
Но предположений, комментарии, вопросов и на современных форумах инета, множество.
Например. Почему, зачем Пикассо нарисовал женщине руку толще другой руки и длиннее?
На картине две женщины, четыре руки. Одна из четырёх рук…
неестественно огромная, она НЕ живая! Как протез…

Знатоки, исследователи, просто зрители, «голову ломали», действительно, почему? Десятилетиями к сотне лет.
КЛЮЧ к разгадке и был всего сюжета, смысл жизненного взгляда на женщин…
Мужчины маленького роста, у них КОМПЛЕКС по крупным, высоким женщинам.

Ключом к разгадке была, неестественная одна рука женщины на картине.
Толстая и длиннее другой,
это… ОГЛОБЛЯ, образное от художника.
(Смотреть на вставке темы или открыть страницу инета в увеличенном виде).

Рука, как оглобля. Нарицательное: дылда, долговязый, верзила, др.
Рука женская, но как оглобля и нежно обнимает. Ассоциации ужаса…

ИИ. «Выражение «рука как оглобля» означает, что у человека толстая, тяжелая, длинная или неуклюжая рука.
Оглобля — это длинная толстая жердь, часть конской упряжи, с помощью которой повозка соединяется с лошадью. Метафора используется в переносном смысле в разговорной речи: Внешний вид: для описания крупных, сильных, но не отличающихся изяществом рук (например, у крепкого крестьянина, рабочего). Неловкость: чтобы подчеркнуть грубость движений, когда человек не может сделать что-то аккуратное, задевает окружающие предметы из-за крупного телосложения. Само слово «оглобля» в русском языке часто становится синонимом неуклюжего, долговязого человека или чего-то грубого и большого».

Пикассо о женщинах в сравнении с оглоблей, народное выражение. (Был женат на русской балерине, ходовые, обиходные слова, кто, что и как называется в народе, знал прекрасно по лексике жены, танцовщицы, русской Хохловой).
… В простонародье о таких сравнения: баба, как оглобля, баба – оглобля, баба – конь, баба – лошадь, баба – кобыла.
Понятно, с точки зрения мужика.

У Пикассо сюжет, бросается в глаза, картина откровением…
(Смотреть вставку темы).
Бабы – лошади в упряжке весело бегут, скачут галопом, как кобылы.
Ржут: и-го-го!

Но и аналогия… Бег больших женщин-баб, расхлистанный внешний вид, большие обнажённые груди.
Напоказ огромные ноги, личные мемуарные ощущения, как при «общении» с такими, у него их было две.
Он-гений импрессионизма, превозносимый почитателями похвал до небес, бабник… Обидно оплошал.

Позорно потерялся дважды, между грудями и ногами больших баб?!
Как сон, после бурных гулянок-возлияний, ещё и ржали: и-го-го! Когда он копошился в массе жаркого тела, достать желаемое… Пока трудился, испустился…
Бабы ржали, как кони.

… Картина знаменитого художника Пабло Пикассо, названием
«Две женщины, бегущие по пляжу», одна из немногих, реалистична смыслом.
Максимально познавательная для парней, мужчин. Жизненная назиданиями по многим направлениям взаимоотношений между мужчинами и женщинами.
Кроме всего, ценности художественной. Пикассо, как реалист, личной формы выражения, именно своей живописи. Не всем понятной, критикуемой и сейчас.

Искусствоведение пишет, «большие женщины», мотивы. Когда с женой был в Италии, насмотрелся на монументальность статуй-женщин. Наука не напишет никогда…
Восприимчивость, чувства, тут же воспоминания, сравнения, Пикассо мужского нутра, сопоставления. Воспоминания, у него тоже случались любовные, интимные дела с «большими» женщинами при его росте в 157 см. всего. Жене такое не расскажет…

… Во времена жизни, творчества великого, гениального реалиста,
живописца, известного во всём мире, Репина Ильи Ефимовича…
Его оценка профессиональным мнением, направление развития искусства живописи, была очень востребована.
На него равнялись молодые художники. Его восхвалял народ, власть.
Его знала Вселенная!

Репин критиковал шумно, скандально импрессионизм…
«Мазня» —… Репин характеризовал произведения импрессионистов. Пустые по смыслу» — именно так он описал свои впечатления от первой выставки импрессионистов, признавая мастерство в передаче цвета и света, но отмечая полное отсутствие социальной и психологической глубины».

По истории высказываний об импрессионистах, Илье Репину кое что даже нравилось в их писаниях красками.
Нет документального, но не обратить внимания на картину, от которой много шуму было, нет сомнений.
«Их стихия – Земля», о больших крупнотелых бабах…

ИИ справка, «Илья Репин не был «бабником» в классическом смысле, но как «раб натуры» он был крайне увлекающейся натурой. Художник обожал женскую красоту, часто влюблялся в своих моделей и учениц, однако его главные отношения всегда были связаны с СИЛЬНЫМИ (выд.авт), своенравными женщинами и сопровождались бурными страстями.

Его личная жизнь была полна крутых поворотов: Вера Шевцова (первая жена): Женился в 1872 году, когда ей было всего 16 лет. Брак продлился 15 лет и распался из-за творческой одержимости Репина и разницы в темпераментах. Жена устала от богемной жизни и постоянных гостей.

Елизавета Званцева (ученица): В 1888 году у художника случилась страстная влюбленность в молодую художницу. Он буквально сходил с ума, забрасывал письмами, но до развода дело тогда не дошло.

Наталья Нордман (вторая жена): Ради нее в 1900 году живописец ушел из семьи. Своенравная феминистка, пропагандистка вегетарианства и «свободной любви», с которой они в браке вели очень экстравагантный образ жизни (например, кормили гостей сеном и отказались от прислуги).

… взгляды на искусство переплетались с любовными увлечениями?
...Википедия. Великий «щупальщик»: как художник Илья Репин работал со своими … Сам Репин называл себя «рабом натуры», которую он понимал довольно широко, призывая своих учеников «учиться у природы».

Репин и Крамской были, как ученик и учитель, но и друзьями.
Знаменитая картина Ивана Крамского «Неизвестная».
Невероятно!
Всех троих ЗНАМЕНИТЫХ: Пикассо, Репина, Крамского, объединяет…

БОЛЬШИМИ женщинами – бабами. Что метафорическим смыслом, жизненным. Большим и умом женщин-жён, любовниц.
Сами отвергали, были обидно отвергнуты женщинами, как
сюжетом-шедевром Крамского.
Картины «НЕИЗВЕСТНАЯ» свысока, жалеючи, немного презрительно.
Кто главные в человеческой жизни?
«Их стихия – Земля»,

Обратной метафорой понять, титанши, мощная основательность.
«женских образов: Монументальность:… древних богинь.
Ощущение стабильности:… женщины прочно и основательно стоят (или сидят) на земле, символизируя незыблемость и природную силу».

Жанром "литературные исследования", вспомнить жаркие споры, диспуты известных художников, искусствоведов середины прошлого века. Загадку Пикассо, его несколько картин о больших женщинах. Фразах-откликов знаменитого Ильи Репина, критиковал импрессионизм, где удивившие его, акцент на огромных не живых женщин...
------------------

Элизабет:

Владимир, Вы прекрасно рассмотрели психологические порывы по стандартным критериям, по которым Пушкин с его тягой к противоположному полу, как и в Пикассо вписываются в одну рамку. Но я родилась в космическую эпоху, поставившую акценты на звёздах, как на образах души. А в космосе карлик - всё та же самая звезда, перешедшая в плотное сплочение внутренней сути. Звезда осталась собой, поменяв внешний облик средоточием на внутреннем содержании. Потому так называемые "звёздные карлики" появляются и на земле. И это не только в образах Пушкина, Пикассо, Наполеона, но Ленина со Сталиным и П... в России. У нас есть свои звёздные карлики, чью мощь во вселенской связи и вечной гармонии невозможно игнорировать. )

Я не буду выводить глубже намеченные Вами смысловые символы. Вас это начинает "нервировать" вибрацией исторжения того, куда вы сами не ходили в психологическом откровении. За каждым внутренним пределом есть другой - более широкий, в котором ум начинает терять связи, а собрать их воедино - нужно время и просвещение программами, как это сделать. То есть нужны "другие инструменты", прикладные познания. К примеру, то, что открывается интернетом, я тоже не смогу связать, хоть восхищение есть.

Математика - точная наука. Но геометрия - выразитель этих точных "точек", средоточий волной. Человека, как образ души, геометрия (эзотерика) изображает символически пятиконечной звездой, а знак качества по периметру вершин обозначает предел. Тот же знак встречается в символичном изображении дома, которому обучают в детстве. Попутно - интернет уже как шестиконечная развёртка.

Переходом от стихийных (стихотворных) порывов вы "взялись" за художников. Это чудесно - пройтись по пройденному, раскрывая уже самостоятельно тайные смыслы. С Вашим пытливом умом мне всегда интересно путешествовать. Но я сама рисую и пишу стихи, потому художники и поэты - моя родная стихия. Мне не хочется открывать свою тему, чтобы выразить попутно вытягиванием луча из себя тот путь, который я могу смежно или попутно осветить наложением "звезды" на собранное познание. Но раз вы коснулись испанского художника, то их пять - ярких представителей своего рода-племени: Эль Греко, Веласкес, Гойя, Пикассо и Дали, повлиявших на западную культуру и оставивших яркий свет. У Дали есть картина "Плоть на камнях", написанная под впечатлением картины Пикассо " Двух женщин, бегущих по пляжу". Вопрос к Вам: как вы думаете, что изобразил Пикассо: богинь духа или тряпки, накинутые на них? )

Я вижу и то, и другое. До есть богинь под прикрытием, оголяющим грудь, как у Делакруа в картине "Свобода, ведущая народ". Обнажённая грудь - образ "и родина щедро поила меня..." млечным путём самой вселенной. Конечно, можно видеть у Пикассо исключительно женщин и их связь с природными партнёрами жизни - мужчинами, а вовсе не свободные стихии в соединении земли и воды остроконечным сплетением к звёздной вершине, хоть одно отражается в другом подобием. Мы не знаем, что вдохновляло десятилетием спустя для создания статуи свободы в образе "Рабочего и колхозницы". Но будь то факел в правой руке или жест - вперёд, в путь, эти символы - нам близки в символизме огромной эпохи, объединяющей земли, страны и народы. Но без пары художников в одной упряжке - Дали-Пикассо - мы не увидим пентакль вместе пентаграммой и пентагоном из глубин космоса, смотрящего в землю, как и звезды кремля. ) А без этого взгляда на картину "и-го-го" не такое ещё "И-ГО-ГО", каким оно видится удалением на бОльшее расстояние, когда человеческий дух земли - человечество - поднимается звездой над прожитой историей. )))

Можно лавировать спадом и подъёмом, дыша, как говориться, полной грудью от тела к духу, от "планетарной природы - женщины" к "отцу-космосу" даже и в той картине, которую мы видим у Пикассо.

В интернете недавно встречалась с расследованием роста Наполеона, что в наших беседах о дуэли Пушкина с Дантесом напрямую связано. И в этих исследованиях шла попытка сместить внимание рост Наполеона на "средний рост мужчины" того века, как и понимание, что маленький Наполеон, хоть у Толстого, хоть у Репина в сравнениях человеческого роста, имеет связь. Маленький ростом человек способен раскрыть внутри себя дух титана, и вырасти из капрала в императора Европы, карлик-звезду, которая знает в себе силу звезды. И Илья Репин, как и Илья Муромец, чувствуя силушку богатырскую, способен противостоять очарованию Пикассо на умы современников разумеется чувством РАВНОСТИ дара, раскрывающимся изобразительным искусством. Не знаю как насчёт руки-оглобли, рассмотренной Вами в картине Пикассо, но коли взялся за гуж, не говори, что не дюж. В каждом великом художнике - дюжина маленьких. )

Илья Репин - выразитель русского духа, народной мощи и его истории. Но не стоит упускать из вида, что Пикассо - выразитель духа своего времени. Потому "Герника" - это то же самое эпическое полотно, но выражением "карликовской" сути "звезды", в ощущении внутренней раздавленности человеческой сути - "машинами", механизмами управления, мировой войной. По сути "Иван Грозный убивает своего сына" - наружная картина, а "Герника" - внутренняя.

Знаменитая фраза Пикассо: "«Мне потребовалось четыре года, чтобы рисовать как Рафаэль, но потребовалась целая жизнь, чтобы научиться рисовать как ребенок». Напомню, что его картина "Пикадор" написана им в 8-летнем возрасте. Первым учителем и наставником для него был отец - учитель рисования и декоратор Хосе Руис Бласко. Там, в детском рисунке - истина, к которой художник вернулся после того, как овладел мастерством художника, достигнув взрослого мастерства. "Герника" - крик младенца от разрушения мира, его целостности, внутреннее ощущение полной раздавленности целостности на несоединяемые объекты.

Если бы Вы взяли это в сравнение, то рассказ был бы иной даже в сравнении с Репиным, который все эти ощущения пережил уже на склоне лет и не мог это выразить художественными средствами, то есть "оглоблей", соединяющей путь с осью упряжки. Последняя картина Репина "Гопак" - танец над прожитой жизнью, танец огня, выходящего из плоти, который иногда называют "агонией", Агни-йогой. Репин соединяется со своей родиной, местом рождения, с Запорожьем, с восточным колоритом одежды и народными инструментами. Он не изменил своему пути, оставшись с народом и целостным с природой-матерью. И его ученик Юрий Грабарь пошёл теми же стопами.

Но сравнение "Неизвестной" Крамского и "Двух женщин, бегущих по пляжу" сопоставимо только, как сравнение ощущения ребёнка и взрослого. Первому интересна "грудь женская", которую он ещё не забыл, как источник, дающий пищу, сила двух огромных женщин, сотрясающих топотом землю, непонятная эйфория этих не то кобылиц, не то демонов, телес, похожих на огромные туши. Вы точно назвали их "титанидами".

Для ребёнка, который только начинает разбирать винтики и ролики - мелочь, соединяющие огромные механизмы, крутящие эпохи, сия радость - всё равно, что тайфун, надвигающийся на маленький уютный домик на побережье, маленький мир ребёнка. Не то, чтобы он сам не испытывал радости от созерцания неба и моря, солнечного дня. Но ему, свободному и так от ведения домашнего хозяйства и забот, тяжёлого труда, просто не понятен сам этот дух, попавший в свободную стихию. Маленький человек, карлик, не знает в себе раба любви, долга хоть общественного, хоть родительского, потому и свобода от оного долга отдыхе, пляже ему чужда. Он видит, но не понимает, что видит, без внутреннего познания того, что созерцает снаружи.

"Неизвестная" Крамского - та же загадка женщины, но полного для взрослого мужчины очарования, обольщения, неясного влечения и притяжения. Этот образ во взрослом мужчине, да и женщине - совсем другая история. Это то, что мы называем "раскрытая сексуальность", пережитая внутри только взрослым человеком, который против младенца-карлика и есть гигант. Раскрытая всем пентаклем чувств, пятью органами чувств, соединенных в пульсирующих пустоте оргазмом, взрывом, перед рождением образа целого человека в завершённом цикле творения. То есть когда ребёнок, становясь взрослым, раскрывает тайну рождения себя не рассказами, а прямым переживанием таинства. Шестиконечная звезда Соломона выражает завершённый цикл самопознания человека человеком.

Я прошлась по всем расставленным Вами рассказом акцентах, чтобы понимание того, на что мы смотрим, стало более ясным, отчётливым. Хоть можно было бы оставить в качестве рецензии одну только фразу Пикассо о том, что он выражал своим творчеством, возвращаясь в "детское" или "чистое" восприятие ребёнка, став взрослым. Для ребёнка всё, о чём могут говорить ему взрослые - это небо, небесное, непонятное, хоть рисующее образы мечты. Для взрослого - всё небесное становится земным, как воплощение, или мечты, спущенные на землю. Потому "сказочное" описание словами - женщина неземной (небесной) красоты - вполне приобретает земные осязаемые очертания в портрете Крамского, а "дух народа" или "народный дух", "русский дух" отражён Репиным в "Бурлаках на Волге".

И спасибо Вам огромное за наводку. Без Вашего рассказа я не стала бы так подробно разбираться с картиной "Двух женщин, бегущих по пляжу". Пикассо для меня интересен только как явление в художественном искусстве. Я переболела в детстве прививку рассказом Драгунского "Девочка на шаре", потому картина Пикассо с одноимённым названием, созданная им в 1905 году, и приобретённая в 1913 году в Париже И. А. Морозовым. После революции картина была национализирована и попала в Государственный музей новой западной живописи, после 1923 года — ГМНЗИ, откуда после его расформирования в 1948 году была перенесена в собрание Государственного музея изобразительных искусств имени А. С. Пушкина. Так что от Пушкина мы далеко всё равно не ушли, потому что идти всегда приходится по кругу или шару. )

Добавлено: Вт Июн 16, 2026 5:34 pm

Cамый ненавистный художник всех времен

Под таким заголовком никак не ожидала увидеть великолепные картины Б..о. Very Happy

Фильм размещён в "Контакте".

Ролик с философией Франца Штука с рекламой наушников )

Франсиско Гойя о войне и мире.

И в качестве дополнения Сад Иеронима Босха.

Добавлено: Ср Июн 17, 2026 7:54 pm

Картина «Ванитас: натюрморт с книгами, рукописями и черепом» голландского художника Эверта Кольера (Edwaert Collier), написанная в 1663 году.

Verra la morte e avra i tuoi occhi.
C. Pavese*

Череп в искусстве всегда привлекал внимание художников своей символической силой и возможностью передать глубокие философские и религиозные идеи. С помощью жанра «ванитас» (от лат. vanitas — «суета, тщетность») художники напоминали себе и людям людям о том, что всех ждёт в конце пути. В их натюрмортах человеческий (и не только)череп становится основным элементом композиции, отражая быстротечность жизни, тщетность любых удовольствий и неизбежность потери.

В то время как портрет был изображением живого человека «во всей красе», череп является символом суетности, мимолётности этой жизни и всех её достижений, призывает зрителя задуматься о более глубоких аспектах бытия.

Центральный атрибут несёт в себе множество философских мыслей и идей — от вопрошания «Ubi sunt?» («Где те, кто был до нас?») до всем известного латинского выражения «Memento mori» («Помни о смерти»). Вокруг черепа обычно строится вся композиция: если жизнь невозможна без людей и стремления к красоте, то смерть символизирует разложение, скелет и череп. Отсюда и выстраивание всех возможных композицией.

На некоторых картинах черепа могут быть размещены поблизости от музыкальных инструментов или нот, чтобы их присутствие дополняло друг друга. Это может указывать на несовместимость прекрасного и возвышенного с неизбежностью смерти и бренностью жизни. Искусство стремится к вечности и красоте, но череп, как символ смерти, напоминает о преходящем и утрате.

Череп использовался в качестве символа смерти ещё задолго до того, как появились натюрморты Ванитас. Он имеет древние корни и широко присутствует в различных культурах и традициях.
В искусстве череп может быть также отражением страха и мистического аспекта смерти, либо символизировать отказ от материального мира и поиск духовного просветления.

Ждём мы желанной радости,
Тихо летим на свет,
Падаем в центр тяжести,
Будто во тьме нас нет.
Можем послушать Бродского**
Или псалмы пропеть.
Знаем порой, как тянется
Долгой дорогой смерть.
Если к ней подготовится,
Что тогда собирать,
Надо ли успокоится,
Чтобы не очень страдать?
Есть за словами безмолвие,
Сказано - дух святой.
Слушай тогда внимательно.
Вот и ответ простой.
Маску надень обязательно,
Если болтают уста,
Будь то война или вирусы
Или другая беда.
Будет дорога печальная,
Но ты вперёд не тянись,
Разве что другу-молчальнику
Весело улыбнись.
-----

Картина «Ванитас: натюрморт с книгами, рукописями и черепом» голландского художника Эверта Кольера (Edwaert Collier), написанная в 1663 году.

* «Придет смерть, и у нее будут твои глаза» Ч. Павезе
** Иосиф Бродский "Натюрморт"

Череп как основной элемент композиции в натюрмортах Ванитас

--------------

Вопрос по натюрмортам ванитас:

Цитата:

Череп изображать можно, а некоторые части тела изображать нельзя, они могли бы создать конкуренцию черепу.

В символах всё символично. ) Человек - указка на чело, ум. Условно считается, что череп - вместилище разума.

Поскольку здесь натюрморт ванитас с напоминанием о смерти тела, а следовательно, тлена, то разлагающие части тела вызовут ассоциацию с "тухлым мясом". ) А человечина или говядина - это никак не отличается на рисунке. Череп человеческий сразу узнаётся.)

Отдельно не захотелось картину Верещагина рассматривать. В "Апофеозе войны" главный посыл раскрыт в авторской надписи на РАМЕ: «Посвящается всем великим завоевателям: прошедшим, настоящим и будущим».

Картина "Апофеоз (апотеоз) войны" глубоко-символична и с той же философией, что и натюрморты ванитас. Первоначально картина имела немного другое название - "Торжество Тамерлана". Но Василий Васильевич Верищагин был участником многих войн и писал в основном картины о войне и о переживаниях людей в ней. Потому в процессе создания этой картины в такой композиции, как египетские пирамиды, к нему пришло, очевидно, с активным изучением монумента европейцами, начавшимся во время Египетского похода Наполеона Бонапарта в 1798–1801 годах.

Апофеоз (от древнегреческого ἀποθέωσις (apothéōsis), от ἀποθεόω/ἀποθεῶ (apotheóō/apotheô) «обожествлять»), также называемый обожествлением или возведением в божественное состояние (от латинского deificatio «делать божественным»), — это возведение субъекта до божественного уровня и, как правило, относится к человеку, любому другому живому существу или абстрактной идеей в подобие божества.

Обычно в картинах-апофеозах изображали вознесение души умершего. Но на картине Верещагина изображена выжженная пустыня, то есть дух пустыни. На войне не нужно напоминать о смерти. Она на каждом шагу. И хоть посвящена картина завоевателям, суть всё та же: тщетность усилий любого достижения. Художники в подобных натюрмортах показывают символично разные устремления человека. Но стоит что-то реализовать, как тут же ощущается "пустота". Ум (череп) тут же ищет замену цели, меняя их беспрестанно. Но всякий путь ведёт опять всё к той же пустоте, о которой предлагается помнить. А помнить - не относится слишком серьёзно, то есть чисто философски. Потому как забывая о "смерти" или "оной самой пустоте", человек иногда идёт на любые подлости, подлоги, неосознанные жертвы, которые тоже превратятся в "ничто", то есть из золота обернутся прахом. Как говориться, всё исходит из чистоты ума (пустоты) и туда же возвращается.

Кто-то картину "Апофеоз войны" воспринимает судом, осуждением войны. Но тогда бы она так и называлась, а не апофеозом. Потому великим завоевателям посвящается напоминание о смерти. Не тела или его части. А ума, его желания, в том числе желания величия. После смерти человека теряется всё. И, пожалуй, можно вспомнить только одного царя, мудрого Соломона, создавшего, по преданию, Екклесиаст (или Экклезиаст) с той же философией, что и натюрморты ванитас.

На библейские сюжеты у Верещагина есть сюжеты, но это малоизвестные в России картины. Скорее, наоборот, неизвестные. И все, кто знакомился с Библией или подобными ей книгами, помнят выражение: "Вначале земля была безвидна и пуста". Потому картина Верещагина "Апофеоз войны" по своему самый первый (последний) натюрморт ванитас, в котором множество умов складываются в единый разум, обожествляя его пустоту. )

Добавлено: Чт Июл 09, 2026 9:49 pm

Картина «Девочка на шаре»

Пабло Пикассо за всю свою жизнь написал множество картин. Одним из самых многозначительных и противоречивых шедевров является «Девочка на шаре». Искусствоведы до сих пор разгадывают точный смысл, который пытался передать художник через полотно.

Одно из прочтений художественного послания